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lunes, 31 de diciembre de 2018

LA MULA

En 2011, la policía de la ciudad de Michigan junto con la DEA detuvieron a un hombre de 87 años llamado Leo Sharp mientras trasladaba unos cien kilos de cocaína en una camioneta. Así, caía la “mula” favorita del cartel de Sinaloa. Sharp fue condenado a tres años de prisión y finalmente murió en 2016. Basado en esta historia tan real que parece al borde de la ficción y en este personaje que también parece hecho a su medida, Clint Eastwood consumó el retorno a la pantalla como director y actor después de diez años, y con 88 de vida encima. La mula, que se estrena el primer jueves de enero 2019 en Argentina, no es en manos del más clásico de los directores contemporáneos un mero thriller de acción o la picaresca sobre un anciano de insospechado oficio. En el rompecabezas que armó Eastwood junto a su guionista Nick Schenk –la misma dupla de Gran Torino, última incursión con doble rol de Clint–, hay un sutil ensamble de los vínculos familiares, sociales y hasta raciales que ya son marca registrada de sus últimas películas. La mula está basada en hechos reales, pero llega para apartarse de la literalidad sin por eso dejar de indagar agudamente en el mundo de lo real.
por Diego Brodersen 
La realidad, en ocasiones, supera con creces a la más febril de las ficciones. En  año 2011, un grupo de policías del estado de Michigan, en cooperación logística con la mismísima DEA, arrestó a Leo Sharp, un anciano de 87 años, mientras trasladaba en una camioneta casi cien kilos de cocaína pura, terminando de esa manera con un “oficio” de diez años como la mula predilecta del cartel mexicano de Sinaloa. Antes de eso, Sharp, conocido en el submundo del narcotráfico como El Tata, supo descollar internacionalmente como horticultor –en particular con su cuidada producción de azucenas– y, antes de eso, había formado parte del ejército aliado durante la Segunda Guerra Mundial. El periodista del New York Times Sam Dolnick escribió varias notas sobre el caso. En la más extensa de esas crónicas, publicada poco antes de la muerte de Sharp en 2016, describe en detalle el momento en el cual el acusado recibió la sentencia por sus crímenes. “Finalmente, llegó el turno de Sharp. Se dirigió al juez con una voz suave, como si croara. ‘Estoy realmente apesadumbrado por lo que hice, pero ya está’. Luego hizo una última y extraña petición. Si podía evitar la prisión, se proponía pagar la multa de 500.000 dólares que le debía al gobierno cosechando papayas hawaianas. ‘Es tan dulce y deliciosa’, dijo con una voz a punto de quebrarse. Pero el juez no mordió el anzuelo y Leo Sharp fue condenado a tres años en una prisión federal.” La mula, el nuevo largometraje de otro veterano de varias batallas, se basa libremente en ese período de la vida de Sharp y en los textos periodísticos de Dolnick para construir un personaje de ficción, Earl Stone, creado a imagen y semejanza de la persona cinematográfica cimentada por Clint Eastwood a lo largo de seis décadas en la pantalla. Como suele ocurrir, las diferencias con la realidad son muchas y de diversa índole, comenzando por el final de la historia, que el guion de Nick Schenk reconvierte en un triunfo personal contra las zonas erróneas del protagonista, una pequeña redención luego de décadas victoriosas del costado más oscuro de su personalidad. La mula, que tendrá su estreno en Argentina el primer jueves de 2019, es la primera película dirigida y protagonizada por Eastwood en diez años (Gran Torino fue el último título que lo ocupó en ese doble rol) y un retorno al tipo de relato crepuscular que, atravesando diversos géneros y tonos, el gran director nacido en San Francisco viene elaborando desde los tiempos de Los imperdonables en algunas de las películas que lo tuvieron al frente del reparto.
La mula marca también el regreso de texturas más clásicas luego del experimento –fallido o interesante, dependiendo del punto de vista– que significó 15:17 Tren a París. Un crucero por aguas que “el director más clásico del cine contemporáneo”, como suele afirmarse sin mucha controversia, conoce a la perfección, tanto en sus apacibles o convulsionadas superficies como en las profundidades más insondables. Rodeado de otras destacadas figuras de la actuación (Bradley Cooper, de regreso en su filmografía luego de Francotirador, un casi irreconocible Andy García, Laurence Fishburne, Dianne Wiest, su hija Alison Eastwood) la leyenda viviente estrena, a los 88 años, su largometraje de ficción número 37. Una película cuyo personaje principal, con 90 años a cuestas, “es más viejo que yo”, según declaró el realizador durante el estreno mundial en Los Angeles, hace un par de semanas. “La razón por la que sigo haciendo esto, en esta etapa de mi vida, es simple: sigo aprendiendo”, declaró en ese momento al periodismo presente. “Todavía es algo que encuentro interesante. Uno nunca puede saberlo todo. Y si lo sabe, entonces está en problemas.” Si Eastwood sabe más por viejo, por diablo o por el talento acumulado a lo largo de una extensísima carrera –que atraviesa el fin del período clásico de Hollywood y la primera era dorada de la tevé, el fulgor del cine italiano de alcance internacional y el nacimiento de un nuevo cine estadounidense, las diversas crisis políticas y sociales de su país y los nuevos formatos digitales de rodaje y exhibición– es algo que nadie puede responder con certeza. Lo cierto, de manera indiscutible, es que el personaje de Earl Stone marca un nuevo mojón en su indeclinable carrera, primo lejano del Walt Kowalski de Gran Torino, ese vecino huraño y cascarrabias que terminaba sacrificándose literalmente por su vecino joven e inmigrante, miembro de una minoría dentro de una minoría racial. En algún punto, los excepcionales “logros” de Leo Sharp en la vida real –manejar miles y miles de millas, ida y vuelta, con una peligrosa carga, durante casi una década, a una edad en la que la mayoría de las personas de su edad se han retirado de cualquier clase de actividad física– son comparables a los del propio Eastwood, quien viene dirigiendo incansablemente una película por año y que, en este caso, aporta además el rol protagónico. La última escena de La mula encuentra a Stone/Eastwood cuidando amorosamente una pequeña plantación de lirios y la cámara se detiene en sus brazos, atravesados por las marcas, manchas y escasa tersura típicas de una edad avanzada. La elección de ese plano no parece casual y posee todas las características de la autoconciencia. ¿Despedida final de la pantalla, al menos como actor? Tal vez. Tal vez no. Pero la dedicatoria en pantalla al legendario programador del Festival de Cannes Pierre Rissient y al crítico cinematográfico (y biógrafo de Eastwood) Richard Schickel aporta un poco más de peso específico a la sensación de clausura.

Cuando Clint dirigió a Eastwood

Seis películas como actor y director


Obsesión mortal

1971
  En un par de antiguas entrevistas Clint Eastwood recordó –sin dar demasiados detalles– cierta relación amorosa con una profesora algo mayor que él cuando el futuro actor y cineasta tenía apenas diecinueve años. Esa conflictiva historia de amor, que incluyó amenazas de suicidio si el joven decidía abandonarlo todo, pudo o no haber sido la base de su ópera prima, un thriller que anticipa en más de una década los placeres culpables de Atracción fatal (el horriblemente genérico título local de Play Misty for Me incluso se parece al del célebre hit de los años 80). Eastwood dejó de lado sus personajes más característicos, ligados indisolublemente al western, para interpretar a un pinchadiscos radial en peligro de muerte, una interesante inversión del clásico relato de la “dama en peligro” ante un psicópata suelto. La banda de sonido incluye la versión completa de “The First Time Ever I Saw Your Face”, en la bellísima versión de Roberta Flack, lanzada dos años antes del estreno de la película.

El fugitivo Josey Wales

1976
  Luego del éxito (y la polémica) de Harry el sucio –una de sus colaboraciones con el realizador Don Siegel– y de dirigirse a sí mismo en el western sin espagueti La venganza del muerto, Eastwood volvería a visitar el Lejano Oeste, en el doble papel de director y protagonista, en este tenso relato ubicado durante los años de la Guerra de Secesión. En realidad, se trató de un rescate de último minuto: el director original era nada menos que Philip Kaufman, reemplazado finalmente por la estrella en una movida que generó no pocos conflictos sindicales durante el rodaje. La figura de “duro” del actor no hizo más que confirmarse con esta historia de un soldado confederado en plan de venganza luego de que su familia es masacrada por un grupo de yankees. Oscura, violenta y algo pesimista, más que crepuscular, Josey Wales dio inicio a la relación en la vida real entre C.E. y la actriz Sondra Locke –fallecida hace poco más de un mes–, un romance no exento de complicaciones y un final amargo.

Cazador blanco, corazón negro

1990
  Un par de años antes de que Los imperdonables coronara su carrera como realizador con cuatro premios Oscar, incluidos el de Mejor Película y Director, este film basado libremente en la vida del gran actor y cineasta (y mujeriego y bebedor empedernido) John Huston –por vía del libro homónimo del escritor y guionista Peter Viertel– fue inmediatamente reconocido por la crítica como una de las mejores obras en toda su filmografía. Lo que importa aquí no es tanto la preparación del rodaje de La reina de África durante los años 50 como la obsesión del protagonista, llamado John Wilson, por cazar un enorme elefante blanco (casualmente, en idioma inglés disparar y filmar comparten el mismo verbo: to shoot). Wilson/Huston es un artista tan conflictuado como genial y un hombre tan inteligente como incapaz de sobrellevar sus deseos y caprichos. Eastwood, el (anti)héroe de tantos films, reconocido en todo el mundo por sus cualidades inoxidables, comenzaba a deconstruir el mito.

Los imperdonables

1992
Tal vez el último gran western y, de una manera indirecta, oblicua, una relectura de esa obra maestra llamada Un tiro en la noche, de John Ford, Los imperdonables encuentra a Eastwood en su mejor forma: ambicioso pero no al punto de la ampulosidad, oscuro pero nunca cerca de la misantropía. El mito, que comenzó en las “películas del Oeste” italianas de Sergio Leone (Por un puñado de dólares, Por unos dólares más, Lo bueno, lo malo y lo feo) termina de desarmarse por completo en esta historia marcada por el paso del tiempo, el concepto de predestinación como entidad ambigua y los límites y consecuencias de la venganza como estilo de vida. Bill Munny regresa a la vida de destrucción y muerte que marcó su existencia antes de retirarse a un posible nuevo mundo, el de la familia y el culto a la tierra. El sheriff corrupto interpretado por Gene Hackman se transforma en su némesis, el caos travestido de agente del orden, y Munny deviene en un hombre fuera de la ley, paradójicamente el único capaz de reestablecerla.

Los puentes de Madison

1995
La adaptación a la pantalla del bestseller de Robert James Waller recrea el fugaz romance de una ama de casa de Iowa y el fotógrafo interpretado por Eastwood, en un rol absolutamente a contramano de lo que el actor había interpretado hasta ese momento. Este drama romántico tierno y triste, deudor del gran film británico de David Lean Lo que no fue (1945), se transformó en un clásico instantáneo y acercó al universo cinematográfico de C.E. a una porción de la audiencia hasta ese momento alejada de sus películas, ya fuera por desconocimiento o prejuicio. Notable interpretación de Meryl Streep en uno de los grandes papeles de su carrera y nueva demostración -por si hacía falta- del enorme talento del realizador para conjurar en pantalla las complejidades inherentes a las relaciones humanas. La escena final bajo la lluvia es, tal vez, la prueba de fuego máxima para toda aquella persona que afirma que nunca ha llorado en una sala de cine.

Gran Torino

2008
La última interpretación de Clint Eastwood en uno de su films como realizador (desde luego, hasta la llegada de La mula) podría conformar un doble programa ideal junto a su último largometraje. Walt Kowalski parece ladrar más que hablar y la llegada de un grupo de vecinos de origen chino no hace más que exacerbar su mirada xenófoba y algo racista. Relato de cambios internos muy profundos (Kowalski se va “deconstruyendo” lentamente en la pantalla, siguiendo el término postestructuralista ahora en boca de todos, todas y todes), se trata en última instancia de una nueva versión del clásico relato de crecimiento a una edad en la que todo debería tender hacia la cristalización. Comedia dramática clásica altamente disfrutable, Gran Torino es una de esas pequeñas películas en el canon de Eastwood que el añejamiento provocado por el paso del tiempo no ha hecho más que mejorar.

miércoles, 11 de julio de 2018

Murió Claude Lanzmann, el director del célebre documental "Shoah"

“Me habita una conciencia orgullosa de lo que he logrado”, había dicho Lanzmann sobre su obra mayor, “Shoah” (AFP)

El cineasta, escritor y periodista francés Claude Lanzmann, relator clave del Holocausto a través de su monumental documental Shoah, murió este jueves a los 92 años, anunció la editorial Gallimard.
"Me habita una conciencia orgullosa de lo que he logrado", había afirmado el director sobre esta obra de más de 9 horas de duración estrenada en 1985 sobre el exterminio de los judíos durante el nazismo, como recuerda la agencia AFP, y que fue vista por decenas de millones de espectadores en todo el mundo.
Nieto de inmigrantes judíos bielorrusos, Lanzmann nació el 27 de noviembre de 1925 al norte de París, de padre decorador y madre anticuaria, y vivió en carne propia la persecución nazi tras la caída en Francia en junio de 1940.
En ese año, su padre lo llevó a ciudad de Brioude (centro-sur) junto a su hermano menor Jacques y su hermana Evelyne, que sería actriz y luego se suicidaría.
El cineasta y escritor vivía en París (AFP)
El cineasta y escritor vivía en París (AFP)
Allí, se vieron obligados a desaparecer sin dejar rastro, hechos que fueron narrados tiempos después en su libro La liebre de la Patagonia (2009).
Con 18 años, Lanzmann ingresó en la Resistencia y participó con los "maquis" en la lucha contra los nazis.
Después de la guerra, estudió filosofía en Tubinga, Alemania, antes de convertirse en lector de literatura francesa y filosofía en la Freie Universität Berlin (Universidad Libre de Berlín).
A su regreso a Francia, durante años se ganó la vida como redactor en varios periódicos.
Claude Lanzmann junto a la filósofa Simone De Beauvoir, con quien tuvo una relación
Claude Lanzmann junto a la filósofa Simone De Beauvoir, con quien tuvo una relación
La vida con Simone de Beauvoir y Jean-Paul Sartre
En 1952, Lanzmann conoció a Simone de Beauvoir y Jean-Paul Sartre, convirtiéndose en su amigo y entrando en el comité de redacción de la revista Les Temps Modernes, fundada por la pareja.
Vivió una historia de amor de 7 años con la filósofa feminista y con el conocimiento y aceptación del pensador existencialista, su pareja.
La primera vez que vio a Sartre tras haber pasado la noche con Simone, sintió "un poco de aprensión". Pero Sartre "bendecía esta unión, se alegraba de la visible felicidad de 'Castor' [apodo de Simone de Beauvoir], mostrándome una amistad alegre y verdadera", escribió.
Tras la ruptura de la pareja, Lanzmann y Simone siguieron manteniendo una excelente relación. En 1986, tras la muerte de ella, Lanzmann se convirtió en director de la prestigiosa revista.
Simone De Beauvoir y Claude Lanzmann junto con Jean-Paul Sartre
Simone De Beauvoir y Claude Lanzmann junto con Jean-Paul Sartre
Paralelamente, en los años 1960, y tras una estancia en Corea, adhirió a las luchas anticolonialistas y formó parte de los firmantes del Manifiesto de los 121, que denunció la represión en Argelia.
La monumental Shoah
Como cineasta, debutó con Por qué Israel (1972). Se lanzó luego en la epopeya de la Shoah, con un rodaje de 12 años. "Dominaba el tiempo", explicó respecto a esta obra maestra, realizada sin imágenes de archivo.
Con una duración de 9 horas y 30 minutos, mezclando filmaciones de los lugares donde ocurrió, testimonios de sobrevivientes y reconstrucciones dramáticas, Shoah fue el intento de Lanzmann de abarcar el Holocausto creando una forma nueva ante la imposibilidad de representar el horror.
Realizó además, entre otros, filmes Tsahal (1994), Sobibor, 14 de octubre de 1943, 16 horas (1997), El informe Karski (2010), El último de los injustos (2013) y Napalm (2017): varias de estas obras fueron realizadas  a partir de las 340 horas de grabación no utilizadas en Shoah.
Una escena de “Shoah”, documental de más de nueve horas sobre el Holocausto
Una escena de “Shoah”, documental de más de nueve horas sobre el Holocausto
Su último filme, estrenado el miércoles en Francia, Les quatre soeurs (Las cuatro hermanas) constituido precisamente a partir de algunas de estas imágenes, recoge los testimonios de cuatro mujeres judías, sobrevivientes del Holocausto.
Durante su carrera, Lanzmann se mostró siempre muy crítico de representaciones ficcionales que llegaron posteriormente a Shoah y que mostaron al Holocausto de una forma espectacular, como La lista de Schindler y La Vida es Bella.
Sobre la obra de Steven Spielberg estrenada en 1993, Lanzmann dijo en 2010 al New York Times que era "sentimental" y "falsa" por mostrar un final optimista y basar su historia en 1.300 judíos salvados por un alemán, cuando la vasta mayoría no escapó con vida de los campos de exterminio.
Lanzmann era muy crítico de representaciones ficcionales del Holocausto, como “La lista de Schindler” o “La vida es bella”
Lanzmann era muy crítico de representaciones ficcionales del Holocausto, como “La lista de Schindler” o “La vida es bella”
Aunque se declaraba un admirador del director de cine estadounidense, Lanzmann destacó las limitaciones de la actuación y la narrativa a la hora de representar el Holocausto. "La Lista de Schindler es una historia imposible", aseguró.
Sobre la obra de Roberto Benigni de 1999, Lanzmann fue sencillamente despreciativo.
"El Holocausto erige un circulo de fuego sobre sí mismo que no puede ser cruzado, porque hay un cierto grado de horror que no se puede transmitir. La ficción es una transgresión", consideró ante la BBC.
Recordando de esta manera a la célebre frase del filósofo Theodor Adorno: "Escribir poesía después de Auschwitz es un acto de barbarie".

lunes, 25 de diciembre de 2017

Museo del cine

Puesta en valor del Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken
Con la presencia del jefe de gobierno de la ciudad de Buenos Aires, Horacio Rodríguez Larreta, y el flamante ministro de Cultura de la Ciduad, Enrique Avogadro, se presentó el jueves 21 de diciembre la puesta en valor del Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken, ubicado en Caffarena 51, en el barrio de la Boca.
Para esta reapertura se presentó un nuevo proyecto curatorial a cargo de Paula Félix Didier, directora del museo, con una mirada que atraviesa los diferentes ejes temáticos de la historia del cine argentino.
"Este proyecto es un gran ejemplo de lo que puede lograrse trabajando en equipo", dijo Rodríguez Larreta durante la presentación. "La puesta en valor de este edificio, que se suma al de la Usina del Arte, se enmarca dentro de ese gran desafío que es el desarrollo de la zona sur de la ciudad como distrito cultural, y sin duda el Museo del Cine será otro gran impulso en ese sentido".
Museo del Cine.
Las mejoras finalizadas en esta etapa incluyen la ampliación de la superficie para exposiciones, la modernización de la sala de proyecciones -con una cabina que permite proyectar en 35mm, 16mm y formato digital- y la instalación de nuevos sistemas de climatización y de seguridad electrónica.
En cuanto a las exposiciones, el visitante podrá hacer un recorrido por la historia del cine argentino a través de dispositivos electrónicos interactivos, proyecciones, afiches originales, vestuarios y cámaras de filmación de más de cien años de antigüedad, como una Lumière original de 1896 o la utilizada para el rodaje del primer éxito del cine nacional, "Nobleza Gaucha".

viernes, 30 de diciembre de 2016

Eliseo Subiela (1944 - 2016)

El director de películas emblemáticas del cine argentino como “Hombre mirando al sudeste” y “El lado oscuro del corazón” falleció durante la madrugada del domingo 25 de diciembre. Dejó una trayectoria inmensa y un legado para los futuros talentos
Eliseo Subiela (Crédito: Martín Bonetto)

"El pecado capital que puede cometer un cineasta es aburrir", dijo Eliseo Subiela en una entrevista realizada años atrás. El recordado director de cine, creador de hitos de la cinematografía local como Hombre mirando al sudeste (1986) y El lado oscuro del corazón (1992) murió este domingo 25 de diciembre durante la madrugada.
Tenía 71 años y una vasta carrera que durante décadas ha deslumbrado a muchos espectadores. Decía que el peor elogio que recibió en su vida fue cuando le dijeron: "tu película no parece argentina, es buenísima". Él era un gran defensor del cine nacional.
Cerca de 20 películas ha rodado a lo largo de sus más de 50 años en la profesión. Comenzó en 1963 con Un largo silencio -un cortometraje en blanco y negro sobre el Hospital Borda- y, tras tener poca actividad durante los años 70, volvió a la carga en 1981 con La conquista del desierto con Arturo Puig como protagonista. Cinco años después llegaba su gran film Hombre mirando al sudeste, que la crítica jamás dudó en ubicarla dentro de las mejores 10 películas de la historia del cine nacional.

miércoles, 21 de diciembre de 2016

Andrzej Wajda


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Hace poco vi de nuevo Danton de Andrzej Wajda. La visita que realizó a Argentina Gerard Depardieu, me hizo recordarlo. Tuve otra mirada de la película, al saber que su director tuvo que irse de su Polonia natal, ya que había filmado una película sobre el sindicato Solidaridad (El hombre de hierro).
Danton fue filmada en Francia, y la nueva lectura que podía hacer ya no era solo como las revoluciones se devoran a sus hijos, sino como se puede observar alejandose de un lugar otras miradas. Pudo volver recien en 1989 a su país.
En 9 de octubre de 2016 falleció el director polaco

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Por suerte en 2007 pudo filmar Katyn, un tema tan silenciado en Polonia, sobre la matanza de soldados y oficales polacos durante la Segunda Guerra mundial, donde los nazis le echaban la culpa a los rusos y después de la guerra todo se ocultó

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Katyń es una película polaca de 2007 acerca de la masacre de Katyn de 1940, dirigida por Andrzej Wajda y basada en el libro Post Mortem: The Story of Katyn de Andrzej Mularczyk. Fue nominada al Óscar a la mejor película de habla no inglesa en la convocatoria de 2007. .Katyn recrea uno de los episodios más oscuros de la historia de Polonia: el asesinato de miles de oficiales polacos a manos de la policía secreta rusa en 1940. La verdadera autoría de esta masacre ha estado oculta durante años, sirviendo como excusa a intereses partidistas de nazis y soviéticos. Andrzej Wajda retrata la angustia de las mujeres que esperaban el regreso de sus seres queridos y procurando dar a los caídos la memoria merecida.

Andrzej Wajda

(Suwalki, 1926) Director de cine y de teatro polaco. Tras graduarse en cinematografía en 1954, trabajó como ayudante de Alexander Ford. Se consagró como figura clave del nuevo cine polaco con su primer largometraje, Pokolenie (1954), un profundo estudio de los efectos de la guerra en la juventud.

Andrzej Wajda
Esta película, Kanal (1957) y Cenizas y diamantes (1958) forman una trilogía en la que se cuestiona la glorificación del heroísmo en el combate. El director volvería periódicamente a los temas relativos a la guerra.
A finales de los años 70 sus películas se hicieron famosas por su reflexión sobre el malestar político de su país. En El hombre de mármol (1977) estudió la confusión de Polonia desde el punto de vista de individuos arruinados por la opresión, y en El hombre de hierro (1981) realizó la crónica del desarrollo del movimiento sindical "Solidaridad".
Poco después de las huelgas Wajda se vio obligado a exiliarse a Francia; en 1989, tras la distensión política de Polonia, pudo regresar a su patria. Otras películas suyas son Lotna (1959); Los brujos inocentes (1960); Lady Macbeth de Siberia (1962); Paisaje después de la batalla (1970); La línea de sombra (1976); Las señoritas de Wilko (1979); Danton (1982); Wielki Tydzien (1995); Pan Tadeusz (1999); Zemsta (2002).